哈姆雷特

初读《哈姆雷特》的剧本时，一个人便很难不被莎士比亚炉火纯青的文字功力所深深吸引。而如今在观看戏剧之后，这部剧的魅力，早已不再局限于“生存还是毁灭”这样一句脍炙人口的经典台词，也超越了“一千个读者心中有一千个哈姆雷特”这样一种广为传颂的观念。这部剧留给世人的思考意义和文学、社会价值，已然远远超越了我贫瘠语言所能表达的一切。

一、光影下戏剧文学的“舞台”世界

初赏话剧，首先被它的戏景所惊艳。优质的演出排场、具有冲击力的舞台场景，总是能更好地为表现剧情而服务，因此，这场话剧中的舞美光影，非常成功地在一初始便带领我迅速进入了莎士比亚构筑的文学世界。

无论是哈姆雷特初遇亡灵时那束垂直映照出亡灵深邃恐怖五官的锥形光，还是哈姆雷特站在楼上对着克劳迪斯独白时投射在墙上的放大的黑影，亦或是奥菲利亚走向幕后的象征死亡的那一圈白亮的光晕…虽然戏剧的整体环境偏向阴暗沉重的基调，但是这些光影的巧妙点缀，却越发凸显出人物或惶恐或愤懑或悲戚的内心世界。

此外，在全剧中，光影的闪动几乎贯穿全剧，发挥着各异的作用。第一幕中哈姆雷特会见亡父灵魂时惨淡蓝光营造出电闪雷鸣感，表现主角内心的挣扎痛苦；第二幕哈姆雷特装疯卖傻将波洛涅斯吓走之后的光影的明灭，象征人物由外在言语到内心独白的转变；第三幕场景更迭时伴随巨响的闪动光线，期间夹杂人物的狂奔脚步声，则预示着局面的突变与转折…在诡秘的、变幻莫测的光影的交迭中，戏剧的双重性也得以体现：哈姆雷特、雷欧提斯、奥菲利亚…赋予表现力的行动和语言，辅以如此独特的光影效果，一个个人物即刻被赋予灵魂，真正地随着剧本情节的缓缓铺展，“立”在了舞台上。演员精湛纯熟的表演技艺、剧本台词的精巧设定、富有无限延展感的空间舞台设计，这一切使得哈姆雷特巧妙处理了文学性与舞台性二者的融合，也让观众的思维驰骋在更为广阔无垠的艺术天地。

相比全然古典化的舞台布景，主演的服化道却时常令观者感到出戏。可以看到，哈姆雷特、霍拉旭、奥菲利亚的服装扮相几乎无一不呈现较为显著的当代风格（汗衫、运动裤、便服等），这在清一色的以古典造型出现的其他角色之中，也显得颇为突兀。虽然根据《京华时报》的评论，“现代与古典的交错融合”是这版《哈姆雷特》最为显著的构思之一，然而这样的“创新”是否产生舍本逐末、适得其反的效果以至影响了观众的观感，或许各人持有的意见也大相径庭。但是即便如此，这场话剧的演绎依然完美体现了史诗的客观性原则与抒情诗主体性原则的统一，我依然自始至终地，深深沉浸在哈姆雷特与一干王室贵胄的情仇爱恨纠葛之中。

二、戏剧的情节和结构

谈到戏剧的情节和结构，哈姆雷特的“情节核”相当分明——那就是“复仇”。正如第一幕第五场结束时哈姆雷特所感叹的一样:“这是一个颠倒混乱的时代，唉，倒霉的我却要负起重整乾坤的责任…！”身为丹麦前王之子，哈姆雷特见证了自己父亲被兄长谋杀、母亲迅速改嫁等一系列变故，而这一切也早早在他心底埋下了复仇的种子。全剧围绕这一悲壮的复仇主题展开，从哈姆雷特决意装疯复仇、设计排演戏剧试探克劳迪斯的心理，到同母亲亢奋对质、被迫放逐至英国，到数月后的回国、与雷欧提斯决斗，一系列事件虽经历了漫长的时间跨度，即搭建在发散的铺展型结构框架之下，并产生相对频繁的地点场景变更，但是叙事的紧凑性在一定程度上让观众忽略了时间的推移，由此保持了哈姆雷特等主要角色人格的鲜明和复仇悲剧性主题的突出，使得戏剧在精彩绝伦的层层递进过程中，攥紧观众的心。

而从戏剧的情节构成来看，其作为一部多幕剧，虽然由五幕组成，但总体上或更倾向于四段法叙事，即结局紧接高潮而至：剧中，哈姆雷特、雷欧提斯二人决斗和哈姆雷特与仇敌同归于尽，二者似乎同时发生在一片喧嚣混乱、电光火石之间，看似猝不及防，仔细品味，却是前四幕铺垫的自然合理结果。倘若没有前期蕴藉蛰伏的开端、曲折迂回的递进，哈姆雷特的情感爆发便会显得虚浮无力，故哈姆雷特装疯卖傻、上演戏中戏等看似累赘冗长的片段，却是充分兼顾话剧情节结构和精神内涵的表现，也使整部剧逾越了表面的热闹喧嚣，而在有机的生命中、在矛盾的合理推进中，一步步攀向爆发的顶峰。

三、戏剧的人物和语言

作为话剧的核心人物，哈姆雷特的内心世界、精神状态，是作者最希望向世人所披露展示的。以悲剧注重对个性而非共性的刻画、对典型人物的塑造这样的特征观之，戏剧勾勒出一个典型的人文主义形象，表现出淡薄的新兴阶级与传统封建抗争的决心和勇气。在此基础上，莎士比亚还赋予了哈姆雷特以思考型的人格，即时常陷入内心的斗争和无休无止的思维风暴，以至于他时常沉浸在精神的世界中而对现实的复仇行为有所延宕正如哈姆雷特在剧中自我剖析的那般，“父亲被惨杀，母亲被玷污，我的理智和情感被这种不共戴天的大仇所激动，我却因循隐忍，一切听其自然。”歌德也认为哈姆雷特“没有坚强的精力使他成为英雄，却在一个重担下毁灭了，这重担他不能掮起，也不能放下”——或许这种善感多虑的性格，在某种程度上催生了他最终的悲剧结局。

而正是这种内向思考式的人物形象，也在无形中促进了舞台语言形式比重的调整。话剧以多元的独白、潜台词来呈现主人公的心理活动。在空旷的舞台上，哈姆雷特一人来回徘徊、激动时手舞足蹈，语调时而高亢、时而低落，节奏时而紧凑、时而舒缓，独自经历着飞快交替的复杂情感，这样的场面或许怪异，但在令人感到毛骨悚然的同时，又像一个旋涡将人深深吸引。

此外，莎士比亚对台词的拿捏使得舞台效果在呈现上更具有艺术美感。虽然话剧相较原作在语言风格上已经进行了简化，但是很多韵脚一致到令人震撼的诗化语言，在演员全情投入的诠释之下，竟有着意料之外的酣畅淋漓之感。“为了博取一个空虚的名声，视死如归地走下他们的坟墓里去。”“一个人既然在离开世界的时候只能一无所有，那么早早地脱身而去不是更好吗？”由此，莎士比亚在剧本中鲜少使用行为动作之外的“提示语言”的原因似乎也有了答案。具有感染力的台词本身便传递出一种情绪和能量，而演员的体会、对强弱语气、疾缓节奏的把握，已经能够完整而全面地塑造出他小心谨慎又有些许分裂的人物形象、他感到有责任去整治这个社会却无能为力的矛盾心理。

在语言、表演和环境的多方作用下，哈姆雷特和众多角色完成了一个完整的呈现。在结尾，哈姆雷特预见自己结局却依然奔赴之的决绝，也同样在人心中激起荡气回肠巨响。正如他本人所说：“一只雀的死生，都是命运预先注定的。”在时代与命运的洪流中，或许他浓缩了千万个人的原型，而最终也不过是被裹挟着踉跄奔走又悄然陨落的千万颗石子之一。站在戏剧文学的角度上，现实性与史诗性的高度调和，使得这部剧达到至高的成就地位；而站在人文道德的角度上，纵然冥冥中的判决无法预见，意外的屠戮难以避免，纵然借刀杀人的狡计层出不穷，陷入自害的结局令人扼腕，然而追逐真相的脚步从不会停止，在反常悖理的奸淫残杀中，总有人愿意执一捧火苗，在冷酷的人间传播美善。

先看的AS版，很精彩，没有过多的舞台场景布置，让观众更集中于演员的表演，场景设置中最骚的就是那个电子屏。全场人物感情饱满，主配角都很不错，觉得AS特别适合癫狂且病娇的角色~~

本尼的NTLIVE版，反观之下就让人觉得没期望中精彩了。除了舞台布置更真实具体，道具更繁复精致外，总体表演略感疲乏，让人看的有点想睡。说到场景，还是要不得不提AS版风骚的电子屏，在所有人观看伶人表演那场戏就显得特别精彩，电子屏投射出观看者的表情，对剧情是一个很大的推动。这版则是所有人背对观众看表演，无法给出各人面部表情特写，只能靠肢体动作，整体观感上则略微逊色。

说回主角，本尼的台词功底和演技是毋庸置疑的，特别是演惯神经质天才，再演哈姆莱特这样的神经质王子，应该是不在话下，实际表演中也确实如此，本尼很好表现了王子的“疯”，发射弹似的语速和夸张的肢体动作，确实更好展现了王子几近癫狂的“疯”，但全场下来，给人感觉就是一直在爆发爆发爆发，一直爆发其实不但演员累，观众看的也累，神经高度紧张就会导致神经疲乏。只要王子在场，就很少有“收”的时候，也完全看不出王子对奥菲利亚的爱，对母亲爱恨交织的矛盾心理也没有完全表现，只是一个纯粹的一心想要复仇的外表装疯内心明镜似的王子，但演到后面，倒让人觉得王子是“真”疯，而不是“装”疯，可能适当的“收一收”能更全面展示人物的性格和内心世界也说不定。

再说其他角色，这版给人感觉各角色之间有点陌生，默契度不够是怎么回事。王和王后看不出恩爱，王子对奥菲利亚也根本无爱， 雷欧提斯居然是个黑人，同一个爹啊，一黑一白，那干脆让奥菲利亚也让黑人来演得了，真是很出戏啊有没有！后面王让哈姆莱特和雷欧提斯握手言和，一黑一白两个人握着手的场景真是让人很想笑，好尬的感觉。再说奥菲利亚，我觉得是全场演的最糟糕的一个角色，完全没有少女和贵族气质，流于表面的战战兢兢，疯疯癫癫，看她说词表演不太舒服，奥菲利亚是要有少女的纯真和对王子的爱，这里找不到，取而代之的是一副永远苦大仇深的表情，你可是贵族少女啊，一直那么苦大仇深是怎么回事？同样的，其他角色也没有特别突出的感觉~

当然，作为老莎经典剧，每个人都有每个人的想法，无论怎么略微改动，总体灵魂都在就行了，艺术也需要紧跟时代创新，才能更好流传，总之还是要感谢演员给我们带来的经典剧体验~

在我个人的戏剧体验里，莎剧因为年代久远、经典辈出和长度醉人需要另立评价体系，及格标准是“能看下去”，优秀标准是“有说服力”：那些冗长生僻且易流为浮夸的台词，要恰如其分地说出来，自带情感起伏又不令人反感，很不容易。

芭比肯剧院这个版本演员水平比较参差：卷福不功不过把三个多小时的澎湃称下来了，但因为太早就开始狂乱，后期反而有隐隐松弛感，失常的表现倒是很逼真、有“笑果”，但在人物塑造上远远不如饰演叔父的希德——他演的奸王真是太讨人厌了！

幕与幕之间的层次感也相当好。

奥菲利亚则从头到尾就不太“正常”，疯之前也一副难以自持的错乱样，把她目睹误杀的细节处理成一个热爱摄影的小女孩儿的意外纪录挺有意思的。

布景走哥特风，现场气氛应该会更为诡谲

ACT II开始全剧建立在砂石之上，“命定的绝望”有所传达。

全剧最喜欢的部分是演前花絮，卷福去东汉姆有色人种为主体的学校，看孩子们排练——哈姆雷特对于绝望之境是否投向死亡的困惑是全人类的困惑，其普世性决定了他永不会过时。

另，最后一幕的挪威王子好帅，没啥戏份，但立领风衣英俊一脸！

对B·C的认识仅限于《神夏》和《黑色弥撒》 当朋友力荐看了之后，发现B·C真的一直是一个很努力的人 记得之前的《神夏》电影版，B·C为了演出维多利亚年代的英国绅士的味道，在荧屏上表现出的那种努力都让人不舍得差评 而戏剧上，况且是莎翁的经典剧目，这次B·C也真的是将自己完全融入这部戏剧中，除了一些情感的表现形式，一些浮夸表现人物的动作表情，他的努力在于痕迹，什么痕迹？举手投足间自然的将人物性格表现出来，同时也不忘记那些耳熟能详的经典台词的诠释；我们看过很多戏剧，演技浮夸的不在少数，更有甚者是临场改词或是临场更改场景动作的，当然这不会出现在莎翁的剧目中，除非那个演员不想混了......... 作为对一个世界公认的著名剧目的表达，演绎一个极富争议或是之前很多成功案例的角色是一件把自己推向火坑的事情，大部分歪果仁的鉴赏水平和务实精神告诉他们，无论是谁，胆敢卖弄风骚矫揉造作骗其金钱买票进场结果一塌糊涂，他们不会放过他，口诛笔伐到老鼠过街人人皆知，最终其人消失。 B·C有无数女性粉丝，脑残粉大把，敢去与能去接演Hamlet王子的人本就不多，况且还是戏剧表演，没有电影中的镜头烘托情绪，影化叙事来衬托气氛，围绕主题，吸引观众的眼球；戏剧演出在舞台上，你必须毫无保留地诠释对这个角色的理解，酝酿情感，因为没有摄影机去帮你带动观众的情绪，有的只是你自己这个主体，尤其是复杂人格以及悲剧角色的诠释，过于悲痛的表达令人心生厌恶，粉饰着你流于表面的演技；不够悲伤却又被人评论没有正确认识角色；Hamlet这种复杂型人格的演绎也是个极大的问题，将一个身躯演绎成两个，一颗心脏跳出两个截然相反的声音，如此就必须有种冲突和疑惑在其动作、行为和语言中，况且莎翁的剧目中，完美朗诵出原版台词就是个考较修行的事，更别提去背诵出味道 所以，B·C这版Hamlet不是我看过最好的，却是我感觉到最努力的Hamlet