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剧照
剧情介绍
Cary Scott（简·怀曼 Jane Wyman 饰）虽然是一个有着两个孩子的中年寡妇，身边却依然不缺追求者。一天她在自己的花园里邂逅了新来的园丁，已故的老园丁的儿子——年轻的Ron Kirby（罗克·赫德森 Rock Hudson 饰）。几次接触后，Cary了解到Ron对于种植的喜爱，于是Ron带着Cary去了他的家。年龄的差距并不能阻止两人坠入爱河，然而他们的爱情却要面对许多考验。首先提出反对的是Cary的儿子和女儿，她的儿子甚至以离家出走来威胁母亲放弃这段关系。而当整个镇上都充满了关于两人的流言蜚语时，Cary也感到了巨大的压力。她试着带上Ron去参加俱乐部的派对，却遭遇了一些不快的事情。Cary还是选择了和Ron分开，但两人却还是爱着对方......全美缉凶：波士顿马拉松爆炸案微缩屋工匠沉默者(原声版)人马小姐不迷茫斯特莱克探案集第三季血洒胭脂马珍宝大战最危险的路神探可伦坡第十一季僵尸岛屠杀盒子里的猫端溪奇案AI爱上你狐天狐地福音合唱团你好，执行者封魔纪之赤雷传小玩意武林外史黄海冰版咖啡未冷前绝招恶女末世指令红壳的潘多拉艾米丽的神奇实验室男与女1983宽衣解带海啸与樱花小宇宙2：基因狂想曲电击女孩力王1992鬼客快乐星球第四部少年手指虎天堑·1949比利小子2019无主之人捡来的孩子银幕背后帝都物语深宫怨灵爱你命中注定
长篇影评
1 ) All That Heaven Allows天堂里允许的一切
也许这就是导演心中天堂里所允许的一切。即使是体制、工作所限，保存个人的天性、个性，最后总有拨开见云日的那天。影片结局体现的便是上帝的意愿。大多乞求愿望倚靠着梦境达到允诺，可究竟允许了些什么不得而知。
天堂里允许的一切，这是个令人迷惑不清的片名。暂且可以这样理解：我们每日的生活即是天堂里允许的。
活着即是天堂里允许的。
2 ) 它为女人鸣不平！不是“胸平”
对于女孩子来说，用手机或者电脑看看美剧韩剧什么的，算是当下网络时代的一种消遣，但是同样是看电视剧，放到上世纪五十年代的美国，换个播放器——电视机，可能就有另外一种象征——孤独的家庭主妇消磨时光、打发日子的“跳蛋”，讲出来有点羞耻，但是实质上基本一样。
1955年的《深锁春光一院愁》便是把这种表象下的“禁锢”描述的跌宕起伏、委婉动人，虽然是好莱坞的一部制片厂电影，但是却被向来有高逼格之称的“CC标准”收录，光凭这一点，我们就不能把它当做“晚八点爱情狗血片”来看待，尽管电影在故事层面上，讲述的就是一个地地道道的烂俗爱情故事，但是因为那么一点点“不同”，就让它成为了一部“女权主义”电影。
故事讲述的是富裕的中产阶级寡妇凯瑞，和她年轻园丁荣恩之间的一段忘年恋爱，虽然和诸多爱情故事一样，他们经历过双方朋友的检验、邻居们的流言蜚语和家人的指责，但是最终还是有情人终成眷属，来了个完美大结局。然而这个故事是因为美国人在讲述，如果换了其他国家，可能就有不同的结局了，在韩国的话，有可能是《熔炉》般的无力，在丹麦的话，可能是《狩猎》般的忌惮。
之所以把一部爱情电影和两个根本和爱情无关的欧亚国家电影做比较，原因在于，他们都是有关“偏见”。《熔炉》中是众人对于校长一味的信任，而不相信处于劣势的聋哑孩子；《狩猎》正好相反，小镇居民都深信小女孩的所言非虚，而男老师则是邪恶的化身；《深锁春光一院愁》便是富裕的中产阶级对于下层工人的偏见。
将一个“偏见”讲述的到位并不容易，更何况导演道格拉斯·塞克并不希望直接开罪中产阶级，所以在剧情的处理上，颇为委婉，比如女儿的“悔过”，医生的奉劝以及朋友莎拉的好意和理解，但是这种侧笔反而更为讽刺。莎拉的行为更像是中产阶级主妇间的虚与委蛇，女儿的“悔过”更多显露的是一种“事后诸葛”的弥补，但是内心却依旧保守，如果我们联想到她之前动辄拿出弗洛伊德的理论显示自己的开明，后期女儿的“懂事”只会增添她的虚伪和表里不一；而医生，或许只是导演为了推动凯瑞的行为所做的无奈设计吧！
实际上，这群中产阶级的“偏见”只是对于男主角荣恩，对于凯瑞来说并不是“偏见”，而是限制、禁锢和道德捆绑。其实对于荣恩来说，“偏见”并 不算什么，由于人设的性格，荣恩并不在乎别人的看法，但是作为一个丧偶并有两个成年的儿女来说，这种“偏见”便是一种舆论禁锢了。表面上，它很开放，不仅允许，而且鼓励凯瑞找个夕阳伴侣，但是，这种允许是有选择性的，她必须在中产阶级的社交圈中寻找，而且必须年龄相仿，所谓的“爱情”并不是凯瑞这个寡妇的权利，找个合适的体面人组成适当的男女关系才是她可以做的事情。（从开头她和老年的夏飞约会受到儿女的鼓励和支持时就能够看出。）
凯瑞本身也不是那种周围的人一吓，她就放弃真爱的女人，然而当她面临儿女受到流言蜚语，并被儿女“警告”必须和荣恩分开时，她不得不做出让步。社会伦理对于女性的禁锢最可怕的不是来自于外部的恐吓，而是女性自身已经被驯化，她“必须”考虑儿女，她“必须”承担母亲的责任，换句话说，她必须“做一个母亲该做的”，这个“该”便是女性终极的“命运悲剧”。
有一个异常讽刺的场面，当初凯瑞因为还有儿女相伴，所以放弃了自己的真爱，也被儿子“命令”，祖屋必须留下，但是当她决定放弃真爱之后，女儿隔年就会出嫁，儿子即将远去巴黎上学，之后去伊朗工作，还被儿子“通知”：“祖屋太大了，你一个人住也是浪费，回头就卖了吧！”这种前后的荒唐状况可谓是鞭辟入里，更为可笑的是，在一开头凯瑞就异常讨厌“电视机”（因为它代表了中年女人的空虚），但是最后即将离去的儿女却攒钱给她买了一台电视机，从最后电视机屏幕中的凯瑞镜像，我们知道，儿女其实是在给凯瑞的后半生生活送葬。
《深锁春光一院愁》并不想让这种对于女性的压榨见针见血，而是试图用“曲笔”，讽刺性地表达了这一社会现状，可能在导演塞克看来，迎合地讲述痛苦比暴露地表达愤怒更有效吧！
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3 ) All That Heaven Allows: An Articulate Screen by Laura Mulvey
Douglas Sirk once said: “This is the dialectic—there is a very short distance between high art and trash, and trash that contains an element of craziness is by this very quality nearer to art.” When All That Heaven Allows was released by Universal Pictures in 1955, it was just another critically unnoticed Hollywood genre product, designed to appeal to the trashy “women’s weepie” audience. Now, in retrospect, it is considered to be closer to the art side of Sirk’s dialectic, and one of his key films. But this is part of a wider process of critical reevaluation in which his entire body of work has been rediscovered and reappraised by successive generations of filmmakers and historians.
No one seeing the film at the time of its release would have imagined its director to be an elegant, extremely erudite European whose career started in the theater of Weimar Germany and who was an early director of Bertolt Brecht’s The Threepenny Opera. After a short but successful career at UFA studios in the vacuum left by the massive emigration of Jewish talent after the Nazis came to power in 1933, Sirk made his way to Hollywood, directing his first film there in 1942. Following an unsuccessful attempt to return to Germany in 1949–50, he signed a contract with Universal. His movie career then culminated with his highest-profile films, the melodramas of 1952–58. By 1959, he was Universal’s most successful director. At that very moment, he left moviemaking and America. Until his death in 1987, he and his wife, Hilde, lived in Lugano, Switzerland.
All That Heaven Allows marks the final turning point in Sirk’s strange and varied career. On the back of Magnificent Obsession’s success the previous year, Universal gave him a budget and freedom that enabled his mature style to blossom. All That Heaven Allows contains all the elements of characteristically Sirkian composition: light, shade, color, and camera angles combine with his trademark use of mirrors to break up the surface of the screen. Here are all the components of the “melodramatic” style on which Sirk’s critical reputation is based and that has made him the favorite of later generations of filmmakers, from Rainer Werner Fassbinder to Quentin Tarantino, from John Waters to Pedro Almodóvar.
But at the time, Universal was just anxious to repeat its successful pairing of Jane Wyman and Rock Hudson in a romance between an older woman and an extremely handsome younger man. Wyman was still a big star but, by then, past her prime. Recently divorced from Ronald Reagan, and aware that her future lay with the soap-opera audience, she was pleased to be teamed with Hudson again. At the time, he was the new Hollywood heartthrob, who, although “out of the closet” in his personal life, had to be continually shut back in publicly and professionally by an anxious studio.
The All That Heaven Allows version of the May-September romance formula has Wyman playing Cary Scott, a well-to-do widow with two college-age children and a dull social life at the country club. The emptiness at the heart of her existence is filled when she meets Ron Kirby, the young gardener–turned–tree farmer who prunes the trees that line her all-American suburban yard—and then comes back to court her. This simple love story is disrupted by the vicious snobbery of her children and high-society acquaintances. Early in the film, Cary is at her dressing table, preparing for an evening with the Stoningham “elite.” To one side stands a vase containing the branches Ron cut for her earlier, so that Cary’s awakening interest in him carries over from the previous sequence. In a beautifully composed shot, the children first appear reflected in the mirror, coming between Cary and the vase, and then, as the camera pulls away, she is taken back into the room and toward the children. This one shot tells the story of the dilemma that Cary will face for the rest of the film and is typical of Sirk’s emblematic, economical use of cinema. His stars’ performances mesh well with this style. He gives them the screen space appropriate for their status, but the sexual charge between Cary and Ron is articulated through looks and gestures, and the roller-coaster highs and lows of their love are displaced onto the things that surround them.
Objects play their own significant part in expressing the emotions blocked by convention in small-town, middle-class 1950s America. Sirk creates a cinema in which the screen itself speaks more articulately than the protagonists, tongue-tied as they are by the codes of their fictional setting, the powers of censorship in Hollywood at the time, and the norms of the family melodrama genre. Out of these constraints, Sirk builds his film, while also using a typically melodramatic score to punctuate points and to accompany the tones and textures of the actors’ voices.
Years after their initial dismissal (and sometimes derision) by reviewers, Sirk’s successful string of big-budget soapers (and the director himself) have acquired a rich and complex critical afterlife, as different aspects and facets of the films have been reclaimed by successive phases of film criticism. For the auteurists and structuralists of the 1960s, Sirk’s mastery of cinematic language transcended the working conditions of the Hollywood studio system; feminists reclaimed him as a director of melodrama, with his women protagonists and dramas of interiority, domestic space, and sexual desire; gay critics today see a camp subtext in his films with Hudson, in which ambiguous situations can be read as double entendre.
The gap between the contemporary perception of All That Heaven Allows and that of the later critics is closed by Sirk himself, who once explained the conditions of work at the studio: “At least I was allowed to work on the material—so that I restructured to some extent some of the rather impossible scripts of the films I had to direct. Of course, I had to go by the rules, avoid experiments, stick to family fare, have ‘happy endings,’ and so on. Universal didn’t interfere with either my camera work or my cutting—which meant a lot to me.” Although All That Heaven Allows does, on the face of it, have a happy ending, its “happiness” is twisted with more than a touch of Sirkian irony. This piece originally appeared in the Criterion Collection’s 2001 DVD edition of All That Heaven Allows.
Jun 10, 2014
摘自CC官网：//www.criterion.com/current/posts/96-all-that-heaven-allows-an-articulate-screen
4 ) 喜欢视觉呈现，不喜欢故事
Several memorable lines: "security comes from inside himself,” “home is where you are,” “you are running away from something important because you are afraid,” and etc.
Carefully designed costumes and props. The film starts with Sarah, wearing a bright blue dress, stepping out of her richly blue car. The color choice is, first, visually attractive and, second, speaks of her extroversive personality. Later, the rather casual clothes of Ron’s friends at the dinner contrast with the exquisite suits and dresses in the cocktail party of Cary’s friend. The costumes highlight the stark difference between the circles of Ron and Cary, indicating their different social positions and life styles. Cary's different outfits throughout the film are also carefully chosen. She starts from a widow's grey suit. After meeting Ron, she puts on a vibrantly red dress for the country club. She shift back to the widow's black velvet on Christmas Eve after breaking up with Ron. These all suggest Cary's mental activities.
Some hints are given to foreshadow later developments in the story. At first is the branch that Ron gave to Cary, which she treated like a bouquet of flowers and placed in a beautiful vase. The second is the broken Wedgwood porcelain. Other elements are used to indicate the ideology of the film. An example would be the book, Walden, that Cary picked up at the Andersons'.
The curated lighting is my favorite element of this film. It uses high-key lighting in the garden scene and the party scene to create more realistic settings. Low-key lighting, on the other hand, is used in more emotionally charged scenarios. For the conversations between Cary and Ron and Cary and her son, high contrast of light and darkness hides and reveals the facial expressions of the characters. The most memorable scene for me is when Ron and Cary stand in front of the large glass window. The cold and blue lights from the snow outdoors juxtaposed with the warm and orange lights of fireplace illuminating behind the couple generate such a peaceful yet secretly melancholy atmosphere. This also foretells the following warm proposal and cold conflict.
5 ) 随想
《深锁春光一院愁》: 完成度非常高，台词设置精巧，画面色彩鲜明。 这么忧伤动人的剧情，带来的艰难与抉择堪比初三时看《罗马假日》。看了一点后意识到启发了托德海因斯的《远离天堂》。但远离天堂似乎才是现实，没有happy ending. 中产阶级妇女都爱园丁。洛克哈德森的脸简直了，完美得跟雕塑一样。这张脸自高三起一直贴在我屋子，某期《看电影》杂志里的小海报。 和《蔚蓝深海》一样，医生都扮演知心大哥的角色:因为逃避，所以头痛。你甚至比过去更加孤独。你高尚的牺牲有什么意义呢。如果他真爱我，他会来找我的。不！你要是爱他，你该去找他！You are ready for a love affair,but not for love. 要是坐在电影院大银幕前，定会在光影之中泪流满面吧。 It won't be easy时甚至想起John and Yoko. 经典台词: 有你在的地方就是家。你回家来了。 多少人都生活在平静的绝望中。 She doesnt want to make her own mind,no girl does.She wants you to make up for her. ironic:1.女儿满嘴弗洛伊德，研究社会学心理学，分析各种案例。看起来很先锋很自由，说寡妇不该被埋葬，这又不是古埃及，要活出自我，不在乎别人的想法。但到自己身上就行不通了。是个彻底的理论派。 罗恩是彻底的行动派。这是罗恩的bible吗。不，罗恩的bible就是活出自我。他从来不会让不重要的东西变得重要。活出真正的自我。安全感源于自我，无法被带走。VIP-very independent person. 2.电视机。孤独的老女人最后的避难所。只要轻轻旋转按钮，戏剧，喜剧，生活，就在你的指缝中展开。 关于什么是自私，什么是活出自我，究竟如何判定。自私不过是忠于内心的另一种表达方式。 儿女、罗恩哪个不自私呢。上一秒他们还说你自私，下一秒你无私了，你的无私就恰恰被他们的自私所利用。 鹿 很多事情答案很简单，但你要用很久才可以想明白。那不是一夜就能figure out的。
6 ) 如果你不害怕
深锁春光一院愁：美国的裂缝
《深锁春光一院愁》上映于1955年，彼时，美国刚刚获得二战红利，成为真正的世界霸主，在国内形成了庞大的中产阶级（最多的时候这个群体占社会总人口的百分之八十五），嬉皮士运动尚未发生，整个美国处于富足而稳定的状态，中产阶级作为社会构成中最保守的部分，形成了相对应的保守传统文化，在这样的社会里，女性的职责就是照顾好家庭的每个成员，另外再负责貌美如花。凯瑞就是这庞大的“美国甜心”群体中的一员。
凯瑞四十多岁，美丽善良知性，风韵犹存，丈夫去世，育有一儿一女，儿女长大，即将离去。她尽职尽责地照顾着这个家，过着传统规定的生活，不敢逾越半步。
一切看起来好极了。
直到小她十几岁的罗恩闯入她平静稳定的生活。
罗恩是已故的老园丁的儿子，高达强壮英俊帅气，但是贫穷。
“一切看起来好极了”，凯瑞客套地对罗恩说。
“并没有很多”，罗恩直言。
罗恩带着不同于她的异质性走进她的生活，自然吸引了她的兴趣。开始她处于礼貌和习惯和他交谈，几句下来便不自觉地被他吸引，他们聊起了树。
他给她剪下一枝金雨树，她插在花瓶里。
爱情在萌芽
“埃及传统是什么？”凯瑞问女儿。
“把寡妇连同其他的财产活活封死在她丈夫的墓室。理论上，她也是财产，应该陪他一起死，部落负责这件事。当然那不再发生了，不是吗？”
“是么？也许不在埃及了。”
事实上，她也是财产，正在被陪葬。部落正在负责这件事。
他邀请她去他家做客，她先是下意识地拒绝，随后改口。
她从城市走入了他的乡村。
浮华必是泡沫，泡沫必然被打破。
在他家里，她开心地像个小女孩。他待他像珍宝。
“为什么每个人都那么像成功，如果一个人不他的同伴步伐一致，或许是因为他听见了不同的曲调，让他跟着听到的音乐而行，无论多么的有节奏，还是多么遥远”。
“我想，现在的日子，所有的人都在寻找安全，像许多人一样，如果有钱和地位就会有安全，然后，他遇到了罗恩，他什么也没有，看起来也不需要，他困惑不解，答案很简单，迈克花了很多时间才想出来”。
“答案是什么？”
“活出真的自我，那就是罗恩，罗恩的安全来着他自己，谁也带不走，罗恩不会让不重要的事情变得重要。”
她羡慕他，爱他，像活的像他，但她没有真正理解他，她也不能成为他。
他看出了她的顾虑，“你在回避很重要的东西，因为你害怕”。
“怕什么？”
“很多东西”。
她害怕的是她的家，她的孩子，以及周围人的眼光。
卖电视的和她相遇在门口。
“我对电视不感兴趣”，她说，她的心里全是他。
他向她求婚，她犹豫了。
她摔碎了他精心为她拼凑的瓷壶，她很内疚，“你花了那么多时间修它。”
“没关系”。
罗恩不会让不重要的东西变得重要。
“两个相爱的人想要结婚，那应该很简单”。
“如果你不害怕”。
如果你不害怕
她还是没法迈出那一步，他们分开了。
儿女们还是给她买来了电视，“戏剧，喜剧，生活就在你的指缝中展开。”
多诱人的广告词，就像她以前的生活，华丽精致，同时 ，又是那么的无趣。
如果电影停留在此处，将是极致的悲剧。
可这里是好莱坞，终究还是逃不出大团圆式结局。
在我心里，电影就停留在此处，就像我第一次看到那个意味深长的镜头：
凯瑞呆呆地望着电视画面中反射出的自己。
像一个盒子，困住了凯瑞。
这就是美国的裂缝，阶级，传统，党同伐异。
也是整个世界的裂缝。
鲁迅有句经典的反问，娜拉出走以后呢？（娜拉是易卜生作品《玩偶之家》里的角色）
我很愿意相信凯瑞和罗恩像电影里那样“有情人终成眷属”。可这很可能不会发生。
All That Heaven Allows是本片的英文片名，“天堂允许的一切”。
如果电影是梦的天堂，让它发生未尝不可。
我们恐惧的，不过是恐惧本身。
如果你不害怕。
Melodrama，表现主义传统在色彩上的反映。瑟克极大影响了法斯宾德和阿尔莫多瓦，如前者酷爱的镜子框子和后者的色彩运用。剧作的社会意义在于女性独立及“传统社会”之人言可畏和子一代的对家庭瓦解（MD这就是个狗血版的小津啊）。音乐是大交响。
瑟克使用了大量布莱希特式的疏离工具：框架镜头；歌曲插入；闪回；讽刺与戏讽；过分明显的俗套象征主义与颜色象征主义；反自然布光，等等。但这些工具并没有让观众从经常呈现情绪浓烈的主人公们的身上疏离。相反，他的电影高度情绪化，观众也严重融入角色。加之煽情音乐对于催泪效果的推波助澜，反而强化了瑟克“泪片大师”的盛名。
stunning cinematography, fell in love with Douglas Sirk; doesn't Rock Hudson look like a greasy version of Gregory Peck
有儿有女的卡蕾爱上小她一截的园丁罗恩，横亘在他们面前的不止闲言碎语、挖苦诋毁，还有卡蕾儿女的极力反对，于是卡蕾的世界从金黄灿烂的秋步入了冰寒冷冽的冬，无私给了爱情迎头一击，中年卡蕾缺乏的，是放手去爱，管它刀山火海的豁出去。
林肯中心把这部和《恐惧吞噬灵魂》《远离天堂》三部连放简直太厉害了，一脉相承的鲜艳色彩和细腻的女性心理刻画。很多那个时代的符号，比如电视机，就像一道枷锁；女主的女儿虽然上了大学，却仍旧是传统女性的思维。瑟克片里的纽约郊区小镇，简直全是恶意和无趣啊，当然，还好我们还有园丁
女人都是要别人替他决定；可是即使过了100年，我们仍要为他人而活。
据说从戈达尔到阿莫多瓦都喜欢Douglas Sirk的mélo，据说法斯宾德照着这部拍出了《恐惧吞噬灵魂》，可是，可是《恐惧吞噬灵魂》比这好看太多了啊……也许是年代太久远也许是上世纪美国小镇的保守程度让人无法共情也许是男主那个五十年代万人迷标准发型（男主一出场感觉仿佛看到了Cary Grant，然后发现不是，然后觉得随便吧他们打扮也实在是差不多……）让人看着很出戏，总之除了色彩鲜艳到简直可以与Dario Argento的恐怖片相比（但又没有其他美学上形式上的追求）之外，实在不知道有啥值得注意的。也许在五十年代在美国mélo也只能拍到这样了，不能用阿莫多瓦的标准要求一个上世纪好莱坞导演……
Everybody knows melodrama is a form of cliche, but somehow funny to make a analysis towards it.
浪漫爱情片，中年寡妇与年轻男人的爱情可以反映出很多问题，核心就是过自己想过的生活，推崇《瓦尔登湖》里的自然主义，我想喜欢这本书的，其实都是非常渴望却不敢或不能脱离世俗的生活，不要听那些流言蜚语，追求自己爱情，追求自己的幸福，为自己而活。
小城之春董夫人，人言可畏苏丽珍，深锁一屋霓虹光，此身谁料是李纨，世上寂寞寡妇夜，愁煞多少电视机
太喜欢了。把情节剧拍成这样了还要跟韩剧和琼瑶来比，大多观众果然只看故事。
精准地拿捏了“寂寞”的频率，是欲语对方却挂断电话的失望与欲望，或话已说完仍情留半晌；最后沙发的黄色用得真美，非复古风格可以模仿；看的过程中，曲意地想起鲁迅的话，不惮以最坏的恶意揣测国人，他人的恶意构成的多层次地狱，是剧本最精彩之处，当然还有剧本的细腻与完整性。
要欣赏塞克的作品需要的智慧真是不少，[深锁春光]这部杰作身体力行地给出了拍情节剧的方法。他用声画手法把阶级这个核心动机强调出来，让妇孺皆懂；同时又用这种强化手法制造了异化感，让人觉察到背后的讽刺。这部作品于是同时向外发出两个波段，灵敏的接收者应能捕捉到这种多声部造就的立体感。
结尾男主失忆认不出女主就神作了 这片子很好地印证了Klinger的批评 所谓的反抗型好莱坞也不过是主流好莱坞话语的变体 女主对自己城市中产的突破并不突破中产阶级底线 而只是建立一种新的中产生活--乡村中产 这种突破对于保守的观众是非常具有吸引力的但其真正匮乏的正是对主流的反抗
男主是典型的好莱坞老式帅哥~可是男对女的爱也太突然了吧 如果你要说“这就是爱情” ok 我服了。= =。可是结尾也太drama啦 女守在昏迷的男身边，他就醒了 囧。 我若是导演，就让她在看着儿子送来的电视机时哀怨的结束~~不过这样会被观众骂死的哈哈~~【男主的真相竟然是小基友！】色彩和光线很美好~
瓦尔登湖、弗洛伊德，小镇中产阶级生活方式和道德（电视机）VS自由人的联合体，表现主义的色彩和用光、十分诗意，透过寡妇和年轻男子的爱情讲述了更深的主题。
好好看的melodrama! 看得我柔肠百转与千回... PS.看完之后在卫生间排队，一群奶奶在讨论Hudson好帅好帅这件事，让我想到了In Jackson Heights里面那几个老奶奶在Espresso 77一边织毛衣一边说着“我喜欢的男明星都是gay...”哈哈哈～
男主掉雪堆里一幕笑死我了，这老电影的演员吧 ，表演的痕迹咋都那么重呢,，表情什么的都太好玩了，这男主真是一看就不是个好东西的脸啊，看到他就想到菊花+aids
琼瑶剧式的故事，却如此细腻动人，道格拉斯塞克很懂得节奏的掌控，不同阶层的矛盾、价值观与爱情的矛盾、人物内心的纠结与转折，每一个镜头都深思熟虑。喜欢影片的色彩~
瑟克的场面调度是对于平行蒙太奇的替代，而非如同（巴赞所提及的）奥森·威尔斯形成一种时空的完整性，反而暴露了时间的凝缩机制，成为好莱坞的一个潜在的自反时刻，甚至是《鸟人》，或迪士尼动画，高概念影片中技术处理之下的伪长镜头之雏形。另一方面，对于时间的迷恋构成了全片南方哥特基调，瑟克高饱和度的美国小镇是一个过去的精致镇纸，并随着儿子寄来的电视机——一个“新”技术物——构成了对人物精神的最后一击，作为50年代对于电影行业最大的冲击，电视在《深》中并非属于将来，而是沉浸在一种无法改变的秩序之中，维持gossip的包围——当然，也可以被理解为影像媒介本身的自反——因此吊诡的地方出现了，如果现代性无法形成某种解放，那么过时的银幕亲吻或作为道德的农场生活也不行。